Para poder elegir: Sobre la promoción artística y la gestión cultural independiente (en conversación con Conrado Aguilar)
Con Juan Pablo Torres Muñiz
Por estos lares, hablar de gestión cultural al margen de la burocracia que vive del respaldo gubernamental es cada vez más raro, al punto de que se le niega dicho estatus y se asume que, cuando se habla de ella, es para aludir, en realidad, a un giro de negocio revestido de buenas intenciones. En efecto, los gestores independientes son conocidos, más bien, adoptada la jerga jurídico-económica, como sujetos del ámbito privado y se los tiene, en consecuencia, como sometidos a las pautas de un mercado —ciertamente— inmisericorde. Pero he aquí una curiosa paradoja: el pulseo por fondos públicos suele darse, casi siempre, bajo pautas impuestas por lo políticamente correcto, ni más ni menos que acorde al discurso de consumo «cultural» imperante, que tiende a cuestionar cada vez menos y a complacer más y más al público —convertido en realidad en un mero consumidor, aunque romantizado—; en definitiva, dentro de las coordenadas que garantizan la rentabilidad del mercado pletórico. Lo peor: supuestamente —aunque sólo una enorme ingenuidad permitiría afirmarlo—, sólo por el bien de la nación. Aunque —vale la pena insistir— hay excepciones, la orientación de esta gestión es evidente: desde la indefinición de «cultura» y su conceptualización idealista, su mitificación como condición para toda inversión estatal por estos lares —irónica, pero muy intencionalmente, contra la estabilidad misma del Estado—, hasta la promoción de la más divisiva opinología y el amén al tribalismo más pintoresco, sirve prácticamente sin rechistar a la agenda globalista. Mucho ojo, siempre, con quienes viven de ser los buenos.
En este contexto, la labor de promoción del arte resulta un asunto todavía más espinoso… Dado que el Arte ha de cuestionar las instituciones, incluida ella misma, y no complacer a ningún público, sino seducirlo en principio, para luego atacar su concepción del mundo, la pregunta respecto de la empresa artística, vendría a ser cómo generar un espacio fértil de discusión. Antes, incluso, cómo promover el conocimiento sobre arte, la práctica de técnicas de expresión artística y la sensibilización inteligente y la crítica de artes.
A propósito, conversamos con Conrado Aguilar, fotógrafo y artista multidisciplinario que, desde hace más de diez años viene trabajando de forma independiente justamente en la promoción del arte y la cultura (definida como construcción humana particular, objeto de tradición) en su ciudad, con miras más allá.
De hecho, una de las primeras cuestiones a atender en este tipo de trabajo es cómo acoger la mayor diversidad posible de propuestas artísticas, inclusive cuando desafían una definición más o menos clara de lo que es arte, como dices, y cuando se plantea más bien como una obra de quehacer manual experto —ars— o artesanía…
Punto en el que la labor excede la promoción artística y pasa a ser propiamente cultural, es decir, de cultivo de conocimiento y quehaceres propios de una civilización.
Efectivamente.
Es cierto. Nosotros debemos ver, por ejemplo, qué propuestas son viables y qué otras no, para lo que empleamos distintos criterios, pero lo que no se suele decir es que estos criterios atienden, no a una visión crítica puntual, sino unos de inclusión expresiva apropiada para la formación de un público local, eso en primer lugar.
Por si fuera poco, cada contexto es diferente. Justamente porque uno procura abrir la mente, digamos, de cierta población curiosa a obras cuestionadoras, algunas incluso francamente incómodas, debe atender de qué punto parte, no para conformarse con lo que hay y complacer una demanda, sino para saber conducir gradualmente a la comunidad al diálogo y la discusión. Elevar, digamos, la capacidad de exigencia del mismo público.
Por aquí, como en muchos otros sitios, se piensa que dedicarse al desarrollo del arte y la promoción cultural se trata es más bien de poner talleres de verano o, si se cuenta con más recursos, establecer una suerte de canon con la simple aparición de las salas X o Y, especializadas, y no se repara en si la comunidad cuenta con una población bien dispuesta a enfrentar —porque de eso se trata— trabajos complejos —para no hablar de dudosas muestras de arte dizque conceptual, todo hay que decirlo—, en si hay gente suficiente con curiosidad y una formación adecuada para el asombro del choque mismo con las obras, así como su disfrute más allá de la simple provocación de lo novedoso.
De ahí a la campaña por el espectáculo no hay ni un paso.
Así es.
Quien se toma el Arte en serio, es decir, quien tiene una visión de gestión responsable, sea a partir de un negocio u otro tipo de empresa, debe preocuparse de veras por la formación de una comunidad, sino interesada, al menos básicamente enterada de lo artístico. Se tiene que nutrir y estimular a la gente, y no por simple bondad, sino, concretamente para generar comunidad, esto, en una primera etapa… Luego ya, pueden entrar a tallar las grandes salas especializadas…, las salas top, como dicen. Pero ¿qué es hoy una sala top? En parte, ya lo has dicho. Muchas organizaciones ganan un estatus por la excelencia de sus colecciones, pero otras tantas, la mayoría, en realidad, por publicidad engañosa. No es ningún secreto.
Eso explica que algunas instituciones, como la que diriges, apunten, en sus primeros años a la formación de una colectividad activa, valga la redundancia… Más adelante, les espera otro tipo de gestión.
El contacto inicial que proponemos, suele ser pasado por alto, o mal entendido por gente que, aunque con buena intención, seguro, desarrolla talleres y muestras de prácticamente cualquier cosa haciendo sentir a todos potenciales artistas, lo que no siempre es así. Y haciéndole creer al público que por poner cara de entendidos y brindar con espumante puede fungir de sensible.
En todo ámbito se requieren talento, trabajo y fortuna… Siempre serán pocos quienes consigan su cometido en una actividad de este tipo. Cuestionar inteligentemente a través del ejercicio de una o varias técnicas con una larga tradición no es sencillo, ni mucho menos. Lo que no obsta a que se formen, además de esos pocos artistas, otros tantos muy competentes profesores, curadores, diseñadores de toda clase, etcétera…
Muchos chicos talentosos quieren verse reconocidos muy pronto, movidos también por toda la sobreestimulación y la ilusión generada por redes, esa fiebre de inmediatez que ahora lo mueve todo…
La satisfacción a corto plazo ha de ser otra muy distinta, y creo que vale bastante más. Formar comunidad, lo que ya dije. Aquí mismo se reúnen a diario autores de propuestas realmente interesantes y aprenden los unos de los otros, con el intercambio y la crítica; se ayudan a explorar otras propuestas, revisitar obras clásicas y procurar entenderlas, comprenderlas mejor. Lo ocurre frecuentemente, además, en charlas de lo más relajadas, algo muy importante, más de lo que, me parece, el común de la gente suele creer. En esta labor se necesita, es más: urge el respaldo. Cada quien debe contar con cierta seguridad de que tiene de veras algo que decir…, para poder hacerse camino para decirlo bien…, por otra parte, debe enfrentarse a la crítica auténtica, entender los criterios que se aplican a su trabajo, no para asentir a las observaciones y cambiar su forma de trabajar, sino más bien para reafirmar su visión de un modo más eficaz, sabiendo a qué lógica responder y cuáles obviar.
Educación… Por una parte, brilla la publicidad de cientos, miles de escuelas, todo mundo se llena la boca con el rollo del «pensamiento crítico», pero, por otra, se come fácilmente las tonterías de que dizque hay una crítica positiva versus otra negativa o de que los críticos son sólo tipos amargados incapaces de hacer arte por sí mismos —esto último, ciertamente motivado por comentaristas y opinólogos incontrovertiblemente amargados, que son quienes copan los medios—.
La escuela y la calle hacen agua. Se confunde el conocimiento de técnicas de expresión artística y el Arte en sí, además de su historia. Se relativiza en exceso… Así que es cada vez más importante hacer notar a quienes se pueda —cuántos más, mejor—, que hay variedad de propuestas, formas, medios y plataformas, algunas mucho más accesibles de lo que creían, seguramente, y otras, pues, no tanto. El asunto es brindarles de veras la oportunidad de conocer y, entonces, elegir.
A menudo, en nuestros cursos y talleres, tenemos que pasar muy pronto por la pregunta: Ahora que has visto lo que hay, ¿qué quieres hacer? ¿Te interesa como una afición? ¿Como algo más? ¿Acaso por su empleo catártico? ¿Cómo profesión? Y entonces, sabiéndolo, podemos intervenir más.
Un diálogo…
Nos importa que se sepa que se crea, que la gente quiera crear, que compartan sus creaciones y que luego las discutan. En ese orden. Lo demás, ya se verá. Algo se puede hacer al respecto.
[Todas las imágenes, de Casa Blanca – Centro Cultural]
ENGLISH VERSION
To Be Able to Choose: On Artistic Promotion and Independent Cultural Management (In Conversation with Conrado Aguilar)
Translation by Rebeca Sanz
In these parts, talking about cultural management independent from the bureaucracy that lives off government backing is increasingly rare, to the point that such status is denied and it is assumed that, when speaking of it, one is actually referring to a business venture cloaked in good intentions. Indeed, independent managers are better known, adopting the legal-economic jargon, as private-sector subjects and are consequently seen as subjected to the guidelines of a—certainly—merciless market. But here lies a curious paradox: the struggle for public funds usually takes place, almost always, under guidelines imposed by political correctness, no more, no less, in accordance with the prevailing «cultural» consumption discourse, which tends to question less and less and to please the public more and more—the public actually turned into mere consumers, albeit romanticized—; ultimately, within the coordinates that guarantee the profitability of the plethoric market. The worst part: supposedly—though only immense naivety would allow one to claim this—only for the good of the nation. Although—it’s worth insisting—there are exceptions, the orientation of this management is evident: from the vagueness of «culture» and its idealist conceptualization, its mythification as a condition for any state investment in these parts—ironically, but very intentionally, against the state’s own stability—, to the promotion of the most divisive opinion-mongering and the amen to the most picturesque tribalism, it practically serves the globalist agenda without a whimper. Be very careful, always, with those who make a living from being the good guys.
In this context, the work of promoting art becomes an even thornier issue… Since Art must question institutions, including itself, and not please any audience, but rather seduce it in principle, only to then attack its conception of the world, the question regarding the artistic enterprise would be how to generate a fertile space for discussion. Even before that, how to promote knowledge about art, the practice of artistic expression techniques, and intelligent sensibilization and art criticism.
On this subject, we spoke with Conrado Aguilar, a photographer and multidisciplinary artist who, for over ten years, has been working independently precisely on the promotion of art and culture (defined as a particular human construction, object of tradition) in his city, with a vision beyond.
In fact, one of the first issues to address in this type of work is how to welcome the greatest possible diversity of artistic proposals, even when they challenge a more or less clear definition of what art is, as you say, and when it is posed rather as a work of expert manual craft—ars—or craftsmanship…
A point where the work exceeds artistic promotion and becomes properly cultural, that is, the cultivation of knowledge and practices inherent to a civilization.
Exactly.
It’s true. We must see, for example, which proposals are viable and which are not, for which we use different criteria, but what is not usually said is that these criteria attend, not to a punctual critical vision, but to ones of appropriate expressive inclusion for the formation of a local public, that in the first place.
As if that weren’t enough, every context is different. Precisely because one seeks to open the mind, let’s say, of a certain curious population to questioning works, some even frankly uncomfortable, one must consider the starting point, not to settle for what exists and satisfy a demand, but to know how to gradually lead the community to dialogue and discussion. Raise, let’s say, the very public’s capacity for demanding.
Here, as in many other places, it is thought that dedicating oneself to art development and cultural promotion is rather about setting up summer workshops or, if one has more resources, establishing a sort of canon with the simple appearance of specialized X or Y galleries, and no attention is paid to whether the community has a population well disposed to confront—because that’s what it’s about—complex works (not to mention dubious so-called conceptual art exhibits, it must be said), whether there are enough people with curiosity and adequate formation for the astonishment of the very clash with the works, as well as their enjoyment beyond the simple provocation of novelty.
From there to the campaign for spectacle, there isn’t even a step.
That’s right.
Anyone who takes Art seriously, that is, who has a vision of responsible management, whether from a business or another type of enterprise, must truly care about forming a community, if not interested, at least basically informed about the artistic. People must be nourished and stimulated, and not out of simple kindness, but concretely to generate community, this, in a first stage… Later on, the big specialized galleries can come into play…, the top galleries, as they say. But what is a top gallery today? In part, you’ve already said it. Many organizations gain status through the excellence of their collections, but many others, the majority, in reality, through misleading advertising. It’s no secret.
That explains why some institutions, like the one you lead, aim, in their early years, at the formation of an active collectivity, to be redundant… Later on, another type of management awaits them.
The initial contact we propose is often overlooked, or misunderstood by people who, albeit with good intentions surely, develop workshops and exhibits of practically anything, making everyone feel like potential artists, which is not always the case. And making the public believe that by putting on a knowing face and toasting with sparkling wine, they can act as sensitive.
In any field, talent, work, and fortune are required… There will always be few who achieve their goal in an activity of this kind. Questioning intelligently through the exercise of one or several techniques with a long tradition is not simple, far from it. This does not preclude, besides those few artists, the formation of many other highly competent teachers, curators, designers of all kinds, etcetera…
Many talented young people want to be recognized very soon, also driven by all the overstimulation and illusion generated by networks, that fever of immediacy that now drives everything…
The short-term satisfaction must be a very different one, and I think it’s worth much more. Forming community, as I already said. Here, authors of truly interesting proposals gather daily and learn from each other, through exchange and criticism; they help each other explore other proposals, revisit classical works, and strive to understand them, to comprehend them better. This often happens, moreover, in the most relaxed conversations, something very important, more than, I think, the average person usually believes. In this work, support is needed, more so, it’s urgent. Everyone must have a certain assurance that they truly have something to say…, to be able to pave their way to say it well…, on the other hand, they must face authentic criticism, understand the criteria applied to their work, not to assent to the observations and change their way of working, but rather to reaffirm their vision in a more effective way, knowing which logic to respond to and which to ignore.
Education… On the one hand, the advertising of hundreds, thousands of schools shines, everyone talks big about the «critical thinking» spiel, but, on the other, they easily swallow the nonsense that there is supposedly positive criticism versus negative criticism or that critics are just bitter guys incapable of making art themselves—the latter certainly motivated by incontrovertibly bitter commentators and opinion-mongers, who are the ones who dominate the media—.
School and the street are leaking. Knowledge of artistic expression techniques and Art itself are confused, as well as its history. Things are relativized excessively… So it is increasingly important to point out to as many people as possible—the more, the better—that there is a variety of proposals, forms, mediums, and platforms, some much more accessible than they probably thought, and others, well, not so much. The point is to truly offer them the opportunity to know and, then, to choose.
Often, in our courses and workshops, we have to very quickly address the question: Now that you’ve seen what’s out there, what do you want to do? Are you interested as a hobby? As something more? Perhaps for its cathartic use? As a profession? And then, knowing this, we can intervene more.
A dialogue…
We care that it is known that creation happens, that people want to create, that they share their creations and then discuss them. In that order. The rest will be seen. Something can be done about it.