La persistencia de lo sagrado: Conversación con Daniela Astone sobre su obra
Con Juan Pablo Torres Muñiz
Conscientemente inscrita en una tradición figurativa que bebe del prerrafaelismo y el simbolismo histórico, la propuesta de Daniela Astone tiene su mérito en una reconfiguración personal de sus códigos, una reafirmación deliberada de valores plásticos y conceptuales que la contemporaneidad acelerada suele desdeñar: la introspección, la quietud contemplativa y una noción de plenitud orgánica, así como la complementariedad entre lo masculino y lo femenino.
Astone pliega a su tradición un simbolismo recurrente y elemental: la representación de la mujer como fuente, nido y centro de un mundo interior. Ella es la encarnación de una plenitud intuitiva y telúrica. Del mismo modo, lo masculino queda asociado a la racionalidad proyectiva, al enfrentamiento dialéctico y a una temporalidad lineal.
Su relevancia, en la tenaz resistencia. Aquí se propone un refugio de sentido frente a la fragmentación y la velocidad. Trascendencia, por la recuperación, a través del mito y la figura, de una experiencia de lo humano donde lo femenino constituye el centro de gravedad de un universo simbólico coherente y necesario.
Daniela nos recibe entre sus imágenes, ella misma, centro.
Toda visión artística opera como una refracción de la realidad. El sesgo del autor determina dónde y cómo se concentra la atención… ¿Qué de tu entorno te inspira?
Sí, toda visión surge como una respuesta al entorno. Vivo en la Toscana y estudié en Florencia. El Renacimiento ha sido una gran inspiración, especialmente la búsqueda constante de proporciones, armonía y equilibrio en la naturaleza y su relación con las matemáticas y la geometría. Durante muchos años, he estado estudiando la figura, el retrato y el paisaje desde un punto de vista analítico. Trabajé para lograr poesía a través de la selección y efectos de luz a través del contraste. Luego me di cuenta de que mi otro yo, el yo espiritual y onírico, había quedado relegado durante demasiado tiempo y urgía por salir. Conocí a algunos artistas surrealistas contemporáneos como Sicioldr, Adriano Fida y Roberto Ferri. Desde ese momento, comencé a profundizar en mi imaginación y a inspirarme cada vez más en sitios arqueológicos, etruscos, romanos, griegos, los cuales son un contacto más cercano con la multitud de tipos psicológicos en la mente humana, tan numerosos como los dioses que se adoraban.
Aunque el motivo es el mismo, la variedad de las imágenes responde no sólo a las posiciones sino, antes que nada, por supuesto, a las modelos… ¿Cómo se da tu selección, el conjunto de decisiones para tu composición?
No siempre tengo el mismo sujeto, sino la misma intención de ofrecer una visión honesta. Normalmente, comienzo la composición eligiendo el tamaño del lienzo, luego bosquejo desde la imaginación lo que quiero representar, y la modelo viene a mi estudio para interpretar la idea. La mayoría de las veces añaden fuerza a la composición… otras veces no, así que creo collages hasta lograr lo que quiero.
En tu obra, la mujer es la protagonista, no sólo su cuerpo, aunque ciertamente emerge como una entidad a través de él… ¿Cómo se origina esta propuesta? ¿Es una necesidad, un llamado? ¿Cuál es el origen de lo que incluso cabría entender como fascinación por la mujer?
Tengo que admitir que la participación de la modelo en la creación de una pintura es muy importante para mí, y al vivir en un pueblo pequeño no puedo encontrar tantas modelos. Además, si le pido a un hombre que pose, la mayoría de las veces se ponen muy tensos y nerviosos. Muy pocos modelos masculinos están abiertos a jugar con su cuerpo, quizás bailarines o actores. Pero aparte de las dificultades técnicas, siento una fascinación por las mujeres. Compartimos los mismos obstáculos en un mundo que no parece mejorar hacia un sentido de igualdad o un sentido de simple respeto por otros seres humanos.
Las figuras emergen luminosas de la oscuridad u opacidad, ¿qué implica este contraste? ¿A qué alude el entorno, quizás más que un fondo, sino a la propia fuente del conflicto mismo?
El contraste es teatro, es drama, es un foco de luz sobre un sentimiento. Pero supongo que esto viene de la influencia de mi educación en una academia que usa la luz como una herramienta de síntesis, una herramienta para leer la naturaleza de manera simple.
Usando solo una fuente de luz es posible crear una ilusión de realidad y es posible crear una jerarquía en el cuadro.
¿Qué otros artistas han influido en tu formación de tal manera que puedan ser reconocidos como influencias en tu propuesta, y con qué obras consideras que tu trabajo dialoga más?
Probablemente los prerrafaelitas y los orientalistas, pero si quieres una lista de mis pintores favoritos: John William Waterhouse, John Everett Millais y Jules Bastien-Lepage.
¿Hacia dónde apunta tu trabajo, a partir de este punto?
Sigo trabajando cada día para poder expresarme de la manera más honesta, incluso si no resulta comprensible, pero mi trabajo es siempre muy personal.
ENGLISH (ORIGINAL) VERSION
The Persistence of the Sacred: A Conversation with Daniela Astone about Her Work
Translation by Rebeca Sanz
Consciously situated within a figurative tradition drawing from Pre-Raphaelitism and historical Symbolism, Daniela Astone’s proposal finds its merit in a personal reconfiguration of its codes, a deliberate reaffirmation of plastic and conceptual values often dismissed by our accelerated contemporaneity: introspection, contemplative stillness, a notion of organic plenitude, and the complementarity between the masculine and the feminine.
Astone infuses her tradition with a recurrent, elemental symbolism: the representation of woman as the source, nest, and center of an inner world. She is the embodiment of an intuitive, telluric plenitude. Likewise, the masculine is associated with projective rationality, dialectical confrontation, and linear temporality.
Her relevance lies in tenacious resistance. Here, a refuge of meaning is proposed against fragmentation and speed. Transcendence, through the recovery—via myth and figure—of a human experience where the feminine constitutes the center of gravity for a coherent and necessary symbolic universe.
Daniela receives us amongst her images, herself, the center.
Every artistic vision operates as a refraction of reality. The author’s bias determines where and how attention is concentrated… What from your environment inspires you?
Yes, every vision comes as a response to the environment. I live in Tuscany and I studied in Florence. The Renaissance has been a great inspiration, especially the constant research of proportions, harmony, and balance in nature and their relationship with math and geometry. For many years, I have been studying the figure, portrait, and landscape from an analytical point of view. I worked to achieve poetry through selection and light effects through contrast. Then I realized that my other me, the spiritual and oneiric me, was left aside for too long and was urging to come out. I met some contemporary surrealist artists like Sicioldr, Adriano Fida, and Roberto Ferri. Since that moment, I started to dig into my imagination and to be inspired more and more by archaeological sites, Etruscan, Roman, Greek, which are a closer contact with the multitude of psychological types in the human mind, as many as the gods they were worshiping.
Although the subject is the same, the variety of the images responds not only to positions but, before that, of course, to the models… How does your selection occur, the set of decisions for your composition?
I don’t always have the same subject, but the same intent to offer an honest vision. Usually, I start the composition by choosing the size of the canvas, then I sketch from imagination what I want to represent, and the model comes to my studio to interpret the idea. Most of the time they add strength to the composition… other times no, so I create collages until I achieve what I want.
In your work, the woman is the protagonist, not just her body, although she certainly emerges as an entity through it… How does this proposal originate? Is it a necessity, a calling? What is the origin of what could even be understood as a fascination with women?
I have to admit that the participation of the model in the creation of a painting is very important to me, and living in a small town I can’t find so many models. Plus, if I ask a man to pose, most of the time they get very stiff and nervous. Only very few male models are open to playing with their body, maybe dancers or actors. But apart from the technical difficulties, I have a fascination for women. We share the same obstacles in a world that doesn’t seem to improve towards a sense of equality or a sense of simple respect for other human beings.
The figures emerge luminous from darkness or opacity, what does this contrast imply? What does the environment allude to, perhaps more than a background, but the very source of the conflict itself?
Contrast is theatre, is drama, is a spotlight on a feeling. But I suppose this is coming from the influence of my education in an academy that uses light as a tool of synthesis, a tool to read nature simply.
Using just one source of light it is possible to create an illusion of reality and it is possible to create hierarchy in the picture.
What other artists have influenced your formation in such a way that they can be recognized as influences in your proposal, and with which works do you consider your work dialogues the most?
Probably the Pre-Raphaelites and the Orientalists, but if you like a list of my favourite painters: John William Waterhouse, John Everett Millais and Jules Bastien-Lepage.
Where is your work pointing, from this point onward?
I keep working every day to be able to express myself in the most honest way, even if it might not be understandable, but my work is always very personal.