Interacción dramática: Conversación con Susannah Martin sobre su obra

Con Juan Pablo Torres Muñiz

En la dialéctica permanente entre el individuo y su mundo, el arte opera como la institución cuestionadora por excelencia. Ataca los límites de la realidad conocida, para delatar la ficción inherente a las construcciones racionales que nos definen. La obra de Susannah Martin constituye una elocuente manifestación de esta potencia crítica. En sus lienzos, la figura humana se presenta no como un ideal complaciente, sino como un sujeto en tensión con su entorno, a menudo en situaciones que desbordan la intimidad para exponer la naturaleza institucional de conceptos como la libertad, la identidad y la sexualidad.

Susannah tematiza con agudeza la autonomía, no como un estado de gracia, sino como la capacidad de gobernar la propia libertad en un doble rango normativo: el de los límites de uno mismo y el de la sociedad. Sus personajes, frecuentemente desnudos y en interacción con una naturaleza tan exuberante como indiferente, así como con elementos plásticos, juguetes provocadoramente infantiles y otros objetos viscosos —no menos indiferentes—, exploran la fuerza con la que un sujeto opera contra la fuerza de otros, en un juego perpetuo entre los márgenes de aceptación y recato. La artista nos obliga a reconocer cómo pretendemos, no sin torpeza, ampliar esos márgenes, exponiendo la fragilidad de nuestra condición de personas: instituciones sujetas a un mundo que, a la vez, procuramos redefinir. Como si, casi siempre, abrazáramos la simple provocación debido al vacío de un pensamiento consistente, al menos suficientemente. Cada pieza es una visión que refracta la realidad para enfrentarnos dialécticamente con ella.

Pero qué mejor que hablar directamente con la artista, en torno a su obra…

Al observar tu obra, está claro que, lejos de ser un reflejo de la realidad, ofreces una visión única y refractaria… ¿Qué te lleva a seleccionar una imagen para su representación? Además, ¿qué extraes de ella —qué eliges resaltar y qué omitir?

Me alegra que lo plantees de esa manera. La mayoría de la gente se refiere a mi trabajo como realismo, pero espero que, upon una inspección más detallada, se note que las escenas que pinto reflejan más bien un mundo de la imaginación. Los mundos que pinto están construidos a partir de fragmentos de paisajes, figuras, animales y objetos que recojo en mi memoria. Como imágenes de referencia, miro fotos que he tomado a mis modelos y paisajes que he fotografiado en mis viajes a lo largo de mi vida, lugares que me han encantado. Las fotos de referencia de animales normalmente las busco en internet, a menos que tenga acceso a un modelo animal. A medida que mi idea para una pintura se desarrolla, a menudo busco o fabrico objetos que quiero incluir y los fotografío yo misma al aire libre. Generalmente empiezo con una idea, a menudo inspirada por un gesto o expresión de uno de mis modelos. A partir de este gesto, una historia comienza a emerger y tejer una especie de instantánea momentánea de una interacción dramática. En última instancia, uso estas referencias para dibujar y esbozar mi composición. Cada vez me interesa más simular la apariencia del movimiento. Quiero que mis escenas transmitan la sensación de haber capturado un momento en movimiento de un encuentro inverosímil entre entidades o especies bastante diferentes. Es un intento de detener el movimiento de la vida para resaltar la magia que ocurre a nuestro alrededor en todo momento.

Como todo arte, tu obra es crítica. ¿Hay algo específico que busques reivindicar o destacar a través de tu pintura?

Si soy crítica, lo es contra una negación del significado y el asombro en la vida en general. Tal vez quiera reivindicar la mirada contemplativa. Quiero que la gente se tome el tiempo para mirar profundamente, pensar y sentir profundamente la extraordinaria belleza y complejidad de nuestro mundo. El ámbito digital de nuestra vida diaria niega cada vez más la profundidad y la variedad auténtica. Los algoritmos entierran las expresiones únicas de la vida. Siempre quiero defender la idea de la libertad personal y la exploración y el análisis genuinos. No hay dos perspectivas iguales sobre nada. Animo a la gente a observar todo por sí mismos directamente y experimentar sus propias sensaciones y pensamientos únicos. Eso es todo lo que hago, y comparto todo lo que logro traducir de esa experiencia en símbolos visuales.

¿Qué textos, materiales audiovisuales u otras fuentes ajenas a la pintura nutren tu visión?

Me encanta leer filosofía contemporánea y a menudo escucho entrevistas y debates en podcasts de mis favoritos. Me interesan especialmente los estudios sobre la consciencia, sobre todo cuando se cruzan con la física teórica y la neurociencia. En este momento estoy leyendo The Matter with Things de Iain McGilchrist. Acabo de terminar Irreducible de Federico Faggin, con el que conecté bastante intensamente y me entristeció mucho terminarlo. A veces escucho a Bernardo Kastrup durante horas mientras trabajo.

Tus principales influencias…

Es tan difícil nombrarlas todas, pero a las que más vuelvo son a los maestros de la Edad de Oro holandesa del siglo XVII; como Rubens, van Dyck, Snyders, Rembrandt, ter Borch, de Heem, por nombrar algunos. También a los maestros del Renacimiento nórdico temprano como van Eyck, Memling, Durero. Me identifico mucho con la intensidad con la que examinaban el mundo físico. Por supuesto, grandes influencias en mi obra fueron mi madre y mi padre, que eran ambos artistas. Hay cientos de artistas contemporáneos que adoro, demasiados para nombrar. Pero me encanta verlos a todos trabajando duro y creciendo y cambiando. Esa es la verdadera bendición de internet, poder seguir a colegas creativos en todo tipo de rincones remotos y oscuros de la tierra.

¿Qué consideras tú misma como la evolución más significativa en tu trabajo a lo largo de los años?

Lenta, pero seguramente, mi trabajo se está volviendo mucho más subjetivo y psicológicamente reflexivo. Es un proceso difícil y lento, pero creo que estoy perdiendo el miedo a hacer obra que exponga elementos profundamente personales de mi psique. Es posible que la obra se vuelva más dramática. Estoy perdiendo el miedo a eso. Al principio, me escondía detrás de un realismo literal que no exponía demasiado a nivel personal. La evolución más significativa para mí es ir dejando de esconderme poco a poco.

¿Qué pregunta te gustaría que te hiciera alguien que se ha familiarizado con tu obra?

Me encantan todo tipo de preguntas de personas que se han familiarizado profundamente con mi trabajo. Si puedo provocar reflexión o inspirar indagación mental, entonces estoy encantada. Si una persona quiere profundizar en el significado conmigo, me alegra explorarlo con ella. Pero no quiero decirle a la gente de qué trata la pintura. El significado de cualquier obra de arte involucra al artista y al observador. El observador participa en descubrir y asignar significado, por así decirlo, la completa. Cada observador aporta una experiencia diferente de la obra y la completa de otra manera. Esta interacción me parece infinitamente fascinante.

¿Hacia dónde se dirige tu trabajo; cuál es tu horizonte?

Bueno, además de la sensación de que mi miedo a exponer mi psique más profunda se está desvaneciendo, creo que mi miedo a perder el control también se está desvaneciendo. Sospecho que ambos son buenos miedos a perder. No puedo decirte exactamente adónde me llevará eso, pero me emociona la posibilidad de un nuevo nivel de libertad. ¡Mantente atento, si te atreves!

[Todas las imágenes, del sitio oficial de la artista: https://www.susannahmartin.de/]

English (Original) Version:

In the permanent dialectic between the individual and their world, art operates as the quintessential questioning institution. It attacks the boundaries of known reality to expose the inherent fiction within the rational constructions that define us. The work of Susannah Martin constitutes an eloquent manifestation of this critical power. In her canvases, the human figure is presented not as a complacent ideal, but as a subject in tension with its environment, often in situations that overflow intimacy to lay bare the institutional nature of concepts such as freedom, identity, and sexuality.

With acuity, Susannah thematizes autonomy, not as a state of grace, but as the capacity to govern one’s own freedom within a dual normative framework: that of one’s own limits and that of society. Her characters, frequently nude and interacting with a nature as exuberant as it is indifferent, as well as with plastic elements, provocatively childish toys, and other viscous objects—no less indifferent—explore the force with which a subject operates against the force of others, in a perpetual interplay between the margins of acceptance and restraint. The artist compels us to recognize how we attempt, not without clumsiness, to expand those margins, thereby exposing the fragility of our condition as persons: institutions subject to a world that we, simultaneously, strive to redefine. As if, almost always, we embrace simple provocation due to a void of consistent thought, or at least a sufficiently consistent one. Each piece is a vision that refracts reality to confront us with it dialectically.

But what better way than to speak directly with the artist about her work…

When looking at your work, it’s clear that, far from being a reflection of reality, you offer a unique and refractive vision… What leads you to select an image for representation? Furthermore, what do you extract from it—what do you choose to highlight and what to omit?

I am happy to hear you put it that way. Most people refer to my work as realism but I hope that on further inspection, one notices that the scenes that I paint reflect more a world of the imagination. The worlds that I paint are constructed out of fragments of landscapes , figures, animals and objects which I collect in my memory. As reference images I look at photos that I have taken of my my models and landscapes that I have photographed on my travels throughout my life, places that have enchanted me. Reference photos of animals I usually research on the internet unless I have access to an animal model. As my idea developes for a painting, I will often search for or make objects that I want to include and photograph them myself out doors. Generally I start with an idea, often inspired by a gesture or expression of one of my models. From this gesture a story begins to emerge and weave into a type of momentary snapshot of a dramatic interaction. Untimately, I use these references to draw from and sketch my composition. More and more, I am interested in simulating the appearance of movement. I want my scenes to feel as if we have captured a moment in motion of an unlikely encounter among quite different entities or species. It is an attempt to stop the motion of life in order to highlight the magic that is occuring around us at all times.

Like all art, your work is critical. Is there something specific you aim to reclaim or highlight through your painting?

If I am critical, it is against a denial of meaning and awe in life in general. Maybe I want to reclaim the contemplative gaze. I want people to take the time to look deeply , think and feel deeply the extraordinary beauty and complexity of our world. The digital arena of our daily life increasingly denies debth and authentic variety. Algorithms bury the unique expressions of life. I always want to defend the idea of personal freedom and genuine exploration and analysis. No two perspectives are ever the same on anything. I encourage people to observe all that is directly themselves and experience their own unique sensations and thoughts. That is all that I am doing, and sharing whatever I can manage to translate of that experience in to visual symbols.

Which texts, audiovisual materials, or other sources outside of painting nourish your vision?

I love reading contemporary philosophy and often listen to podcast interviews and discussions from my favorites. I am particularly interested in consciousness studies, especially when they cross over with theoretical physics and neuro science. At the moment I am reading Iain McGilchrist The Matter with Things. Just finished Irreducible by Frederico Faggin with which I resonated pretty intensely and was genuinely sad to be done with. I will listen to Bernardo Kastrup for hours while working sometimes.

Your principal influences…

It´s so so difficult to name them all but I return the most to the Dutch Golden age masters of 17th century; like Rubens, van Dyck, Snyders, Rembrandt, ter Borch, de Heem, to name a few. Also early Northern European Renaissance masters like van Eyck, Memling, Dürer. I relate very much to the intensity with which they examined the physical world. Of course, big influences on my work were my Mother and Father who were both artists. There are hundreds of contemporary artists that I adore, too many to name. But I just love watching them all working their asses off and growing and changing. That is the true blessing of the internet, being able to follow fellow creatives in all kinds of obscure, remote corners of the earth.

What do you yourself see as the most significant evolution in your work over the years?

Slowly but surely my work is becoming much more subjective and psychologically reflective. It is a difficult and slow process but I believe that I am losing my fear of making work that exposes deeply personal elements of my psyche. It is possible that the work may become more dramatic. I´m losing fear of that. In the beginning, I was hiding behind a literal realism which did not expose too much personally. The most significant evolution for me is slowly letting go of hiding.

What question would you like to be asked by someone who has engaged deeply with your work?

I love any questions from people who have engaged deeply with my work. If I can trigger reflection or inspire mental inquiry then I am thrilled. If a person wants to dig deeper into the meaning with me, I am happy to explore that with them. But I don´t want to tell people what the painting is about. The meaning of any work of art involves the artist and the observer. The observer participates in discovering and assigning meaning, he/she completes it so to speak. Each observer brings a different experience of the work and completes it in another way. This interaction is infinitely fascinating to me.

In which direction is your work heading; what is your horizon?

Well in addition to the feeling that my fear of exposing my deeper psyche is slipping, I think that my fear of losing control is slipping. I suspect that these are both good fears to lose. I can´t tell you exactly where that will lead me but I am excited by the possiblity of a new level of freedom. Stay tuned if you dare!