Geografía abstracta: Conversación con Andoni Etxezarraga sobre su obra
Con Juan Pablo Torres Muñiz
El paisajismo fotográfico ha degenerado en gran medida en una herramienta del turismo y la nostalgia costumbrista, reducido a la producción de bellos horizontes que confirman, sin cuestionar, las expectativas visuales del espectador-consumidor. Esta tradición, hoy casi expulsada del ámbito del Arte por su complacencia decorativa, encuentra en la obra de Andoni Etxezarraga una reformulación necesaria. Lejos de la acusación directa o el mensaje activista explícito —estrategias que, en su literalidad, suelen caer en la mera retórica y anular la reflexión profunda al sustituirla por consignas—, Etxezarraga emprende un interrogatorio silencioso sobre la naturaleza de nuestro habitar el mundo.
Su método, la depuración. Frente a la saturación visual de la contemporaneidad, la reducción geométrica aplicada a espacios reales: playas, desiertos, parameras. Su encuadre, de enorme precisión, aísla líneas de horizonte, planos de arena o superficies de la más variada clase, eliminando todo elemento anecdótico. La paleta, restringida a una gama de colores atemperados, propone una serenidad que es, en realidad, la antesala del impacto cuestionador. Una cartografía de conceptos abstractos en una suerte de pausa, fuera de la vorágine representacional.
Nos acoge entre su obra y tenemos el gran gusto de conversar con él a propósito de esto y algo más…
Es evidente que apuestas por la claridad. ¿Qué te llevó a plantear tu propuesta mediante la fotografía? ¿Qué dices mediante este arte que no es posible comunicar a través de otros?
La fotografía llego un poco tarde. Primero fueron el dibujo y la pintura, más tarde, incluso, la escultura. Las artes plásticas siempre me han dado mucha satisfacción. Decidí realizar los estudios de Bellas Artes; ahí realicé la especialidad en audiovisuales, pero la realidad es que supuso un abrevadero de lo más variado en cuanto a cultura e imagen.
En un principio, fue el movimiento del celuloide lo que me cautivo; el cine, los documentales, la publicidad, la ilustración… lo devoraba todo. Por cuestiones de trabajo me vi como operador de cámara y entonces descubrí en la fotografía que la sencillez de congelar una imagen, poder tratarla posteriormente como si fuera un lienzo, respondía a mi pasión como creativo. Vi que ahí podía descargar gran parte del peso de mi vida diaria, y además desarrollarme a través del despliegue de sensaciones como calma y sosiego. Sí, en un profundo espiritualismo.
Mi interés por la pintura sigue vivo… Creo que es evidente.
«Si el artista es pintor… podrá con los colores extraídos de la tierra, reproducir la luz de los cielos», decía Charles Blanc.
Hay en varias de tus imágenes una vinculación importante entre los horizontes y el silencio. ¿De dónde y cómo surge? ¿A dónde conduce?
La utilización espacial… Pocos elementos, pienso… y, siempre, un cielo lineal. Esto induce al misterio, a la calma, y ¿por qué no?, también, a algo siniestro. A la incertidumbre…, para contrarrestar esta suerte de paz en la que parece que flotamos… como algo inerte.
Busco imágenes depuradas, meditativas. Me gusta invitar al espectador a la reflexión sobre el conocimiento, el vacío, la transcendencia del humano, pero sin grandilocuencia ni tremendismo. Lo más próximo posible a la estética minimalista, despojada de excesos. De modo que las imágenes logradas son las que combinan adecuadamente una buena técnica con plena atención a la belleza y la armonía visual. Explorar espacio y tiempo e imaginación y realidad. Ahí pervive, acaso, la mirada del escultor, pintor y/o arquitecto.
Objetos, escenarios, paisajes… ¿En qué medida no cabe, más bien, hablar de símbolos en tu fotografía?
El poeta Sufí, no recuerdo ahora su nombre, dice que «tal vez estés buscando en las ramas aquello que solo puedes encontrar en las raíces». Ciertamente, no podemos relacionarnos con algo que concebimos infinito, si no procuramos silencio. Y el silencio es interioridad, y es lo más puro que el alma puede hacer.
La composición a la geometría se asocia a espacios infinitos y con realidad transcendente. El simbolismo de los colores se remonta a antes del cristianismo y, claro, se asocia con la espiritualidad; sin embargo, es desde el Renacimiento o, mejor dicho, desde la percepción singular de Leonardo Da Vinci, que se abre una dimensión más universal sobre el color hasta hoy. Lo dice Rubén Dario: «En el cielo, el color del sueño, el color del arte, un color helénico y homérico, color oceánico y del firmamento».
La composición, el armado, la carga semiótica, todo esto apela a la búsqueda de la que hablas, atravesada de geometría, pero, por supuesto, también, a muchos otros saberes, adquiridos, aparte tu formación académica, mediante influencia…
Influencias: Masao Yamamoto, Richard Misrach, Iroshi Sujimoto… También, por otro lado, Guido Guidi, Fontana, Edward Hopper, Gaspar David Friedrich… Y, en cuanto a otras disciplinas, el romanticismo y la poesía, en general, siempre. Construir el silencio, siguiendo a Kierkegaard… Así, en la fotografía procuro señalar el sendero de la subjetividad de ser un sujeto en relación personal con lo infinito; solo este camino de introspección, paciencia y recogimiento alcanza, creo, a revelar el mundo del espíritu.
El perfeccionismo surge del tiempo dedicado y la experticia…
Hay, no obstante, aparte lo dicho, un sello distintivo: una suerte de rumbo a contracorriente, bien lejos del ruido, una vez más…
Aunque lo mi intención dista del pictorialismo, no me importa que el producto sea algo teatral. Su poder está en la belleza, en el artificio, en la pausa frente a otro tipo de fotografía dedicada a otras cosas, como denunciar, indicar, señalar, dar respuestas fáciles… La fotografía elige, tal vez, la anacronía, incómoda, pero bella.
¿Qué cuestiones quedan pendientes para ti mismo, una vez das por acabada una obra, una fotografía o una serie de ellas?
(Masao) Yamamoto describe el sentimiento evocado por la conciencia de la impermanencia, la suave tristeza o nostalgia, que surge de la transitoriedad de las cosas.
¿Qué vendrá a continuación en tu carrera artística?
El futuro… Nunca se sabe. Seguiré explorando la soledad y el aislamiento, donde el silencio revela lo suyo, cuando todo lo demás desaparece. (La soledad es indispensable para que el artista conecte con sus propios valores y sus propias sensibilidades e insensibilidades, libre de la presión por agradar).
Creo que el futuro del arte se orienta a la creación de espacios autónomos, donde el silencio y la reducción de elementos permitan al espectador y al artista enfrentar la condición humana con mayor honestidad y paciencia.
ENGLISH VERSION
Abstract Geography: A Conversation with Andoni Etxezarraga about his work
Translation by Tiffany Amber Elías Trimble
Photographic landscape art has largely degenerated into a tool of tourism and nostalgic local color, reduced to the production of beautiful horizons that confirm, without questioning, the visual expectations of the spectator-consumer. This tradition, now almost expelled from the realm of Art due to its decorative complacency, finds in Andoni Etxezarraga’s work a necessary reformulation. Far from direct accusation or explicit activist messaging—strategies that, in their literalness, often fall into mere rhetoric and nullify deep reflection by replacing it with slogans—Etxezarraga undertakes a silent interrogation of the nature of our inhabiting the world.
His method is purification. Confronting the visual saturation of contemporaneity, geometric reduction applied to real spaces: beaches, deserts, high moors. His framing, of immense precision, isolates horizon lines, planes of sand, or surfaces of the most varied kind, eliminating all anecdotal elements. The palette, restricted to a range of tempered colors, proposes a serenity that is, in fact, the antechamber of questioning impact. A cartography of abstract concepts in a sort of pause, outside the whirlwind of representation.
He welcomes us among his work, and we have the great pleasure of conversing with him about this and a bit more…
It’s evident that you favor clarity. What led you to develop your proposal through photography? What do you say through this art that is not possible to communicate through others?
Photography came a bit late. First came drawing and painting, later, even, sculpture. The plastic arts have always given me great satisfaction. I decided to study Fine Arts; there I specialized in audiovisual media, but the truth is it was a watering hole of the most varied kind regarding culture and image.
In the beginning, it was the movement of celluloid that captivated me; cinema, documentaries, advertising, illustration… I devoured it all. Due to work circumstances, I found myself as a camera operator and then discovered in photography that the simplicity of freezing an image, being able to treat it later as if it were a canvas, answered to my passion as a creative. I saw that there I could unload a large part of the weight of my daily life, and also develop myself through the deployment of sensations like calm and tranquility. Yes, in a deep spiritualism.
My interest in painting remains alive… I believe it’s evident.
«If the artist is a painter… he will be able, with colors extracted from the earth, to reproduce the light of the skies,» said Charles Blanc.
In several of your images, there is an important link between horizons and silence. Where and how does it arise? Where does it lead?
Spatial utilization… Few elements, I think… and always a linear sky. This induces mystery, calm, and, why not?, also something sinister. Uncertainty…, to counteract this sort of peace in which we seem to float… like something inert.
I seek purified, meditative images. I like to invite the viewer to reflect on knowledge, emptiness, human transcendence, but without grandiloquence or sensationalism. As close as possible to a minimalist aesthetic, stripped of excess. So that the achieved images are those that adequately combine good technique with full attention to beauty and visual harmony. To explore space and time, and imagination and reality. There persists, perhaps, the gaze of the sculptor, painter, and/or architect.
Objects, settings, landscapes… To what extent is it more appropriate, rather, to speak of symbols in your photography?
The Sufi poet, I don’t recall his name now, says that «perhaps you are looking in the branches for that which you can only find in the roots.» Certainly, we cannot relate to something we conceive as infinite if we do not seek silence. And silence is inwardness, and it is the purest thing the soul can do.
Composition associated with geometry relates to infinite spaces and transcendent reality. The symbolism of colors dates back to before Christianity and, of course, is associated with spirituality; however, it is from the Renaissance or, better said, from Leonardo Da Vinci’s singular perception, that a more universal dimension about color opens up until today. As Rubén Darío says: «In the sky, the color of dreams, the color of art, a Hellenic and Homeric color, oceanic and firmament color.»
The composition, the assembly, the semiotic charge, all this appeals to the search you speak of, traversed by geometry, but, of course, also to many other knowledges, acquired, apart from your academic training, through influence…
Influences: Masao Yamamoto, Richard Misrach, Hiroshi Sugimoto… Also, on the other hand, Guido Guidi, Fontana, Edward Hopper, Caspar David Friedrich… And, regarding other disciplines, Romanticism and poetry, in general, always. To construct silence, following Kierkegaard… Thus, in photography, I try to point out the path of subjectivity of being a subject in personal relation to the infinite; only this path of introspection, patience, and recollection achieves, I believe, to reveal the world of the spirit.
Perfectionism arises from dedicated time and expertise…
There is, however, besides what has been said, a distinctive mark: a sort of counter-current direction, far from the noise, once again…
Although my intention is far from pictorialism, I don’t mind if the product is somewhat theatrical. Its power lies in beauty, in artifice, in the pause compared to another type of photography dedicated to other things, like denouncing, indicating, pointing out, giving easy answers… Photography chooses, perhaps, anachronism, uncomfortable, but beautiful.
What questions remain pending for you yourself, once you consider a work, a photograph, or a series of them, finished?
(Masao) Yamamoto describes the feeling evoked by the awareness of impermanence, the gentle sadness or nostalgia, which arises from the transience of things.
What will come next in your artistic career?
The future… One never knows. I will continue exploring solitude and isolation, where silence reveals its own, when everything else disappears. (Solitude is indispensable for the artist to connect with his own values and his own sensibilities and insensibilities, free from the pressure to please).
I believe the future of art is oriented towards the creation of autonomous spaces, where silence and the reduction of elements allow the viewer and the artist to confront the human condition with greater honesty and patience.