Es común reducir variedad de obras que combinan elementos normalmente disociados a surrealismo, como si formaran parte de un movimiento caracterizado por la mera concatenación de imágenes oníricas y absurdas, un escape de la realidad hacia lo fantástico, cuyo propósito se limitase a provocar o desconcertar. Esta visión, ciertamente trivializada de la famosa corriente, ignora las, no menos idealistas e incluso delirantes pretensiones del surrealismo histórico —en su raíz bretoniana—: dizque liberar la ficción denominada inconsciente como vía de acceso a una «realidad superior», una suerte de superrealidad donde razón y supuesta sinrazón dialogaran. Como fuere, que la obra de un artista como Miles Johnston sea encasillada así, de surrealista, cuando en realidad es de una naturaleza radicalmente distinta, pues plantea confrontar la realidad mediante una figuración humana distorsionada que opera como un espejo crítico de nuestras instituciones más íntimas, es cuanto menos lamentable.

El simbolismode Johnston, anclado en una figuración humana meticulosa, evoluciona hacia una exploración sistemática de la condición del hombre en la era de la hiper-subjetividad. Sus figuras, a menudo duplicadas, fundidas o desdobladas, representan, más que estados oníricos, las tensiones dialécticas a las que se ve sometida la persona como construcción racional. Lejos del escapismo, sus obras tematizan la institución misma de la persona, cuestionando sus límites, su integridad y su autonomía, ante el más cruel desengaño y la pérdida de la esperanza. La piel que se desprende, los rostros que se superponen o los cuerpos que se pliegan sobre sí mismos son representaciones elocuentes de la fragilidad de la identidad personal frente a las fuerzas normativas y disolventes de la plétora adolescente en que tanto se desea creer.

Johnston pone en cuestión la noción de un yo unitario y estable, nos muestra la figura humana escindida, cómo la personalidad no es una esencia, sino un equilibrio precario entre fuerzas contradictorias. Asimismo, cuestiona la institución del cuerpo como límite corpóreo de la persona: los cuerpos se permeabilizan, se fusionan con el entorno o con otros cuerpos, ilustrando la dialéctica entre la autonomía individual y la dependencia orgánica. Pero es en su tratamiento de las relaciones interpersonales donde Johnston alcanza una muy particular agudeza. Aborda la institución del amor, no como algo sublime, sino como una entrega a la vulnerabilidad que, con frecuencia, traicionada la razón, conduce al sujeto a un sacrificio estéril.

He aquí, la patología de la entrega amorosa. Johnston representa con crudeza ese mecanismo por el cual un sujeto, lejos de marginar la razón, la pone íntegramente al servicio de un acto de fe en el otro…, para finalmente sí, perderla del todo. Se trata de una operación que parte de una razón primera aparentemente sólida —la de ofrecer a la persona amada las oportunidades que uno desearía para sí, con el fin de demostrar y desarrollar su «mejor versión»—, por la que el sujeto se somete a una progresiva vulnerabilización. En esta dinámica, vemos figuras que cargan con el peso de otras, que se deforman o se fracturan bajo la carga de una responsabilidad asumida racionalmente, pero que deviene en un fracaso corpóreo y psicológico. Pero el artista no juzga moralmente esta entrega; más bien, la expone como un resultado lógico —y trágico— de una racionalidad mal aplicada, de una ética de la abnegación que choca contra la materialidad de los límites humanos, que nos hace cómplices del mal que brota así de la persona amada, como victimaria. Es la personificación de una dialéctica fallida entre la ética del individuo y la moral de la relación, donde la fuerza de la entrega se vuelve contra el sujeto, conduciéndolo al maltrato, la despersonalización y un sacrificio que, lejos de ser fructífero, disuelve la integridad de la persona.

Este cuestionamiento se extiende a otras instituciones. La comunicación, por ejemplo, la memoria y el tiempo personal; además de, implícitamente, la institución del arte contemporáneo mismo, pues su figuración elocuente y técnica depurada se oponen radicalmente a la tendencia predominante hacia la abstracción vacua, la expresión irracional y la provocación gratuita que caracterizan al mercado en boga.

La potencia de este abordaje temático no sería posible sin un claro dominio de la composición y la técnica. Johnston emplea una técnica de dibujo y pintura de un realismo meticuloso, lo que confiere a sus escenas distorsionadas una verosimilitud inquietante, incluso en los límites del desbarro en patetismo. Su propósito es claro: anclar lo fantástico en una representación hiperrealista, fuerza al espectador a aceptar la materialidad de lo representado. No son alucinaciones, sino realidades corpóreas distorsionadas. Su uso de la luz es particularmente efectivo: Johnston usa una luz clara y directa, a menudo lateral, que acentúa las texturas de los cuerpos: piel y volúmenes en cada forma, en pro de un efecto escultórico, de confirmar que lo que vemos no es un sueño, sino una refracción crítica de nuestra propia realidad.

Composicionalmente, sus obras suelen estar estructuradas con base en simetrías perturbadas o equilibrios inestables. Frecuentemente utiliza un eje central alrededor del cual se organizan las figuras, pero este eje es dinamitado por las distorsiones corporales, simbolizando la ruptura del orden racional interno. El espacio, a menudo ambiguo y desprovisto de referencias contextuales claras, sitúa al sujeto en un ámbito puramente conceptual donde se desarrolla el drama de la personalidad. Esta descontextualización constituye una operación de aislamiento que permite observar el fenómeno en su estado más puro, liberado de las circunstancias accidentales.

La paleta de Johnston, predominantemente terrosa y con acentos fríos, contribuye a una atmósfera de serena introspección, a veces teñida de melancolía. No hay estridencias cromáticas, porque el conflicto no es sino interno. La textura de la pintura, lisa y precisa, evita cualquier gestualidad expresionista que pudiera interpretarse como un mero desahogo emocional.

Así, mediante una técnica impecable y una composición rigurosa, el artista tematiza con profundidad inusual la persona, el amor, la identidad y la comunicación, exponiendo las contradicciones y vulnerabilidades del hombre contemporáneo en un mundo que fomenta simultáneamente la hiper-subjetividad y la despersonalización, mientras, por lo bajo, entre susurros, los enamorados creen poder dar de sí siempre más y más…, lo que a veces consiguen, sí, mediante el compromiso más terreno.

[Todas las imágenes, del sitio web del artista: Miles Johnston]