Desde los albores de la fotografía, superada su concepción como procedimiento de registro, la pretensión de extraer poesía de lo cotidiano, trascender la literalidad del instante, ha motivado a muchos artistas a procurar la mayor elocuencia de su visión, mediante la técnica. Esta tradición, que hunde sus raíces en el pictorialismo decimonónico y se ramifica a través de las vanguardias del siglo XX, se ha inclinado con frecuencia hacia un simbolismo elemental, a veces ingenuo. En efecto, no basta, ni mucho menos, establecer paralelismos formales entre el mundo exterior y la psique, sin cuestionar los conceptos que sostienen dicha separación. Es en este contexto donde la obra de Jillian Guyette irrumpe acaso como torsión crítica de esta herencia. En efecto, establece una vinculación ontológica, no metafórica, entre la materia orgánica de la comúnmente llamada «naturaleza» y la materia orgánica del cuerpo humano, desvelando su constitutiva unidad y su destino compartido de floración, deterioro y fusión final.

El abordaje temático de Guyette pone en entredicho, en primer lugar, la institución conceptual que escinde al hombre de la naturaleza, una de las ficciones más dañinas del idealismo moderno. Su lente no observa el paisaje como exterior virginal o salvaje, ni al cuerpo como una entidad aislada, un cascarón espiritual habitando un mundo material ajeno. Su propuesta es un ejercicio sostenido de problematización de estos conceptos, nos enfrenta a la evidencia de que somos, en gran medida, lo mismo: la misma carne perecedera, la misma savia que circula, la misma textura que se descompone y se recompone en ciclos infinitos, pero con la paradoja de saber verlo, entenderlo y pretender comprenderlo. La piel de una mujer, marcada por las huellas del tiempo o bañada por la luz se constituye en continuación directa del paisaje; la corteza de un árbol, la humedad de una roca, la carnosidad de un hongo, no son alegorías de la condición humana, son la manifestación de idénticos procesos materiales. Al hacerlo, Guyette seduce con lo que parece una trillada crítica: la industria cosmética combate los signos del envejecimiento, la cultura que venera una juventud eterna e inmaculada, el economicismo extractivista que ve en la naturaleza un mero recurso, e incluso cierto ecologismo romántico que la idealiza como un santuario separado de nosotros. Pero felizmente va bastante más allá al cuestionar la noción misma de persona, tal como la entiende el individualismo predominante, sujetándola a sus límites universales, a la vez que abre su horizonte a la contemplación que permite la fotografía misma a través de la tecnología. Sutil, bastante sutil.

La conexión planteada por Guyette se manifiesta con una elocuencia sobrecogedora en la composición, las formas y el color. Sus encuadres son a menudo íntimos, fragmentarios, evitando la visión panorámica que distancia y objetiva. Acerca tanto la lente a la piel humana como a la corteza de un abedul o a la superficie de un estanque, que las fronteras se disuelven. Y se enfatiza justamente el artilugio que permite la aproximación. La profundidad de campo es a menudo reducida, dirigiendo la atención a un plano específico —el detalle de una piel, la superficie del agua—, sumergiendo al espectador en una experiencia táctil y visceral antes que puramente visual. La textura se convierte en el lenguaje universal: las venas azules bajo la piel translúcida de un torso femenino encuentran su eco en los nervios de una hoja; las estrías en la cadera dialogan con las grietas en la tierra seca; la suave curvatura de un hombro se funde con la redondez de una duna. La composición no busca el equilibrio clásico, sino la tensión de una unidad que está a punto de consumarse, la sugerencia de una permeabilidad constante entre los cuerpos. Todo, mediante la visión potenciada. El color, por su parte, es siempre terroso, orgánico, una paleta reducida a ocres, verdes pálidos, azules crepusculares y rosas desvaídos, como si todos los elementos hubieran sido bañados por la misma luz, impregnados por la misma esencia. No hay colores primarios estridentes; todo es matiz, degradación, un recordatorio cromático de la fugacidad y la decadencia.

Es en esta materialidad orgánica compartida donde Guyette establece su conexión más potente. La fertilidad de la vida, su impulso irreprimible, es representada no como un ideal bucólico, sino como una fuerza material, húmeda, táctil, que se manifiesta por igual en el brote de un helecho y en el vientre de una mujer; una fuerza cuyo envés es el gris deterioro. Dialéctica que no se rehúye. La muerte, aquí, no es un evento dramático o sobrenatural, sino la fase final de este proceso de fusión. Lejos del nihilismo, desmonta el terror metafísico a la finitud. Pero hace énfasis, también, en el desencanto que implica.

Guyette emplea predominantemente la fotografía analógica: el grano, la imperfección inherente al proceso químico, la espera del revelado, todo ello se alinea con su interés por lo orgánico, lo incontrolable, con una suerte de… vida propia. Acaso, una ventana abierta a la verdad material que, aunque a menudo negada, nos constituye y, finalmente, nos reabsorbe.

[Todas las imágenes, del sitio web de la artista: Jillian Guyette]