Abrazo de la contradicción: Conversación con Maurizio L'Altrella sobre su obra
Con Juan Pablo Torres Muñiz
El Barroco nació abrazando la contradicción, la paradoja y la fisura como principios estructurales, rechazó la serena claridad del clasicismo para sumergirse en el dramatismo de lo real, un territorio de sombras y claroscuros con la verdad, ya no como esencia inmutable, sino una tensión entre extremos. Esta sensibilidad, que privilegió el movimiento sobre la estabilidad, el desafío de la mesura y puso la carnalidad por sobre la idealización, constituye una forma radical de enfrentamiento con la materialidad del mundo. No como escape, sino, por el contrario, como de una inmersión profunda en el desencanto, para dar pie al asombro racional; la aceptación de que la existencia es un fenómeno complejo, ambiguo y con frecuentemente violento, que exige para su representación un lenguaje de contrastes fuertes, capaz de revelar el misterio que late en los límites de la forma y en los pliegues de la experiencia.
En este contexto, la pintura de Maurizio L’Altrella nos cita con nostalgia. Su obra, con algo de tormenta de materia y gesto sobre el lienzo, rehuye la provocación vacua, tanto como el kitsch decorativo. Así, L’Atrella más bien descompone. Difumina en una dinámica violenta que es, a la vez, ética y estética. En sus cuadros, las formas se desvanecen y los contornos se disuelven: ahí, hombres, bestias y el paisaje mismo se funden en una lucha común.
Propuesta espectral, pero de una contundencia feroz…
Atento, nos acoge…
¿Cómo determinas qué ha de tomar forma en tus pinturas? ¿Qué pintar y qué no? ¿Hay un tema común que guíe tu trabajo?
En mis pinturas, el Mito, lo Sagrado y lo misterioso evocan visiones intensas y plantean preguntas para las cuales aún no he encontrado respuestas satisfactorias, así que me inspiro principalmente para profundizar en este tipo de visiones. Actualmente, no me atraen los elementos que referencian explícitamente nuestro mundo contemporáneo.
El movimiento es una forma de elocuencia en tu obra. ¿Creas imágenes, o sería más apropiado hablar de situaciones o secuencias?
Tengo una relación muy física y vibrante con la pintura. Nunca dibujo sobre el lienzo o sobre el medio que mejor me conviene, comienzo pintando directamente. Hay momentos en que el ritmo de las pinceladas alterna frenéticamente con el uso de grandes espátulas, desencadenando una especie de combate cuerpo a cuerpo entre mí y la superficie sobre la que pinto, especialmente en las grandes, pero incluso en las pequeñas no me contengo. Uso mis dedos para toques delicados o para marcas rasguñadas y sinuosas, aplicando o quitando pintura con un trapo. Mi impacto físico con la pintura es extraordinariamente vivo. Todo esto hace que mis representaciones sean muy vivaces y enérgicas: sobre todo, es un movimiento continuo tanto del sujeto como del espacio que lo acoge, lo atraviesa, gira a su alrededor. Los sujetos se interpenetran con el espacio, que está vivo y es tan importante como el sujeto mismo. Efectivamente, creo fotogramas de situaciones congeladas en el espacio y el tiempo.
Sería fácil decir que la oscuridad y la violencia se despliegan en tus lienzos… ¿Qué concepto de oscuridad y violencia alimenta tu fuerza creativa? ¿Qué hay más allá de estos sus nociones?
Mientras trabajo en una pintura, entro en un vórtice emocional lleno de impulsos y pulsiones internas. Experimento momentos de éxtasis, más o menos breves, de euforia y de angustia, antes de volver a una racionalidad casi total. Es un contacto con lo trascendente, con lo inesperado; es una combinación de emociones y gestos, un ritual que se despliega cada vez, buscando una conexión profunda con lo que no se ve pero que seguramente existe dentro de mí.
El heroísmo que acaso reclamas no es el de la victoria gloriosa, sino el del coraje frente a lo informe, la tenacidad de existir en un mundo donde los referentes se han licuado. Su violencia compositiva es un antidoto contra la anemia espiritual de nuestra época.
La luz y la oscuridad son dos energías que se complementan sólo si se reflejan mutuamente, persiguiéndose y sublimándose la una a la otra. De lo contrario, te llevarán a un resultado único: si te sumerges en la luz absoluta, al final te deslumbrarás y no verás nada. Incluso si te sumerges en la oscuridad completa, en un momento dado perderás la percepción y no verás nada. Los grandes maestros, especialmente en el período Barroco, nos han enseñado esto.
Brilla, entonces, la influencia…
Obtengo una inspiración significativa al observar las pinturas de los grandes maestros de los siglos XVI y XVII —italianos, españoles, flamencos—, así como las del siglo XIX, como Eduard Manet, Caspar David Friedrich, William Turner, y artistas del siglo XX, incluyendo a Francis Bacon, Lucian Freud, Willem de Kooning, Emilio Vedova y Gerhard Richter, por nombrar solo algunos. También me inspiro en la iconografía de ciertos temas religiosos, en los arquetipos, y en la importancia que la representación de lo sagrado y el mito, en especial, ha adquirido a lo largo de los siglos y milenios. También me inspiro en maestros contemporáneos que usan expresiones distintas a la pintura, como Bill Viola, Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Peter Greenaway, y otros.
¿Qué otras formas de arte interactúan con tu trabajo? En otras palabras, ¿qué obras de arte no visuales podrían acompañar a tus pinturas?
La música es la columna vertebral de mis creaciones. Nunca pinto sin una banda sonora que me sostenga, me conmueva, me emocione. Entro en un vórtice de espacios llenos y vacíos que traduzco hipnóticamente en mi trabajo pictórico. Emociones, sonidos, gestos, la voz y la espátula goteando color se fusionan. Mi mano y mi cuerpo se mueven al ritmo de la pintura. Mis dedos se deslizan sobre el material, resbalando por el lienzo y creando mi historia, bailando, revelando su propia historia. Los picos y caídas de algunas composiciones, la obsesividad de otras.
La música que amo, desde el rock hasta la clásica y la contemporánea, es una fiel compañera de mis obras.
¿En qué nuevos proyectos o nuevos horizontes estás fijando la mira para tu trabajo?
Los horizontes son en realidad múltiples, hay muchos estímulos. Desde hace algunos años he estado desarrollando visiones tridimensionales, plásticas de mi trabajo o de parte de él. Ahora estoy empezando a dar forma a algo más material, físico, que se relacione con mi pintura. Es todavía pronto para dar una definición precisa de lo que siento y veo. Percibo cosas y necesito encontrar la forma adecuada para ponerlas en práctica. En 2026, tendré algunas oportunidades importantes para expresarme lo mejor posible. Veremos si puedo integrar todo armoniosamente.
ENGLISH (ORIGINAL) VERSION
Embracing Contradiction: A Conversation with Maurizio L’Altrella on His Work
Translation by Rebeca Sanz
The Baroque was born embracing contradiction, paradox, and fissure as structural principles. It rejected the serene clarity of classicism to immerse itself in the drama of the real—a territory of shadows and chiaroscuro where truth is no longer an immutable essence, but a tension between extremes. This sensibility, which privileged movement over stability, the challenge of measure, and placed carnality above idealization, constitutes a radical form of confrontation with the materiality of the world. Not as an escape, but rather, as a deep immersion into disenchantment, to give way to rational wonder; the acceptance that existence is a complex, ambiguous, and often violent phenomenon, which demands for its representation a language of strong contrasts, capable of revealing the mystery that pulses at the limits of form and in the folds of experience.
In this context, the painting of Maurizio L’Atrella summons us, not with nostalgia. His work, a kind of storm of matter and gesture on the canvas, shuns empty provocation as much as decorative kitsch. Thus, L’Altrella instead decomposes. He blurs in a violent dynamic that is, at once, ethical and aesthetic. In his paintings, forms vanish and contours dissolve: here, men, beasts, and the landscape itself merge in a common struggle.
A spectral proposition, yet of a fierce potency…
Attentive, it embraces us…
How do you determine what takes shape in your paintings? What to paint and what not? Is there a common theme that guides your work?
In my paintings Myth, the Sacred, and the mysterious evoke intense visions and pose questions to which I have yet to find satisfactory answers, so I’m primarily inspired to delve into these types of visions. I’m not currently drawn to elements that explicitly reference our contemporary world.
Movement is a form of eloquence in your work. Do you create images, or would it be more appropriate to talk about situations or sequences?
I have a very physical and lively relationship with painting. I never draw on canvas or on the medium that best suits me, I begin by painting directly. There are moments when the rhythm of the brushstrokes alternates frenetically with the use of large palette knives, triggering a sort of hand-to-hand combat between me and the surface on which I paint, especially large ones, but even on small ones I don’t hold back. I use my fingers for delicate touches or for scratchy, sinuous marks, dabbing or removing with a rag. My physical impact with paint is extraordinarily alive. All this makes my representations very lively and energetic: above all, it is a continuous movement of both the subject and the space that hosts it, passes through it, revolves around it. The subjects interpenetrate the space, which is alive and as important as the subject itself. I effectively create frames of situations frozen in space and time.
It would be easy to say that darkness and violence unfold in your canvases… What concept of darkness and violence fuels your creative force? What lies beyond these two basic concepts?
While working on a painting, I enter an emotional vortex filled with internal impulses and drives. I experience moments of ecstasy, more or less brief, exhilaration and anguish, before returning to almost total rationality. It’s a contact with the transcendent, the unexpected; it’s a combination of emotions and gestures, a ritual that unfolds each time, seeking a profound connection with what is unseen but surely exists within me.
The heroism it perhaps reclaims is not that of glorious victory, but the courage in the face of the formless, the tenacity to exist in a world where references have liquefied. Its compositional violence is an antidote to the spiritual anemia of our age.
Light and darkness are two energies that complement each other only if they mirror each other, chasing and sublimating each other. Otherwise, they will lead you to a unique result: if you immerse yourself in absolute light, you will ultimately be dazzled and then see nothing. Even if you plunge into complete darkness, at a certain point you will lose perception and see nothing. The great masters, especially in the Baroque period, have taught us this.
Thus, the influence shines forth…
I draw significant inspiration from observing the paintings of the great masters of the 16th and 17th centuries—Italian, Spanish, Flemish—as well as those of the 19th century, such as Eduard Manet, Caspar David Friedrich, William Turner, and 20th-century artists, including Francis Bacon, Lucian Freud, Willem de Koonig, Emilio Vedova, and Gerhard Richter, to name just a few. I also draw inspiration from the iconography of certain religious subjects, from archetypes, and from the importance that the representation of the sacred and myth, especially, has acquired over the centuries and millennia. I also draw inspiration from contemporary masters who use expressions other than painting, such as Bill Viola, Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Peter Greenaway, and others.
What other forms of art interact with your work? In other words, what non-visual artworks could accompany your paintings?
Music is the backbone of my creations. I never paint without a soundtrack that supports me, moves me, excites me. I enter a vortex of full and empty spaces that I hypnotically translate into my pictorial work. Emotions, sounds, gestures, the voice, and the palette knife dripping with colour merge. My hand and body move to the rhythm of the paint. My fingers glide over the material, sliding across the canvas and creating my story, dancing, revealing their own history. The peaks and falls of some compositions, the obsessiveness of others.
The music I love, ranging from rock to classical and contemporary, is a faithful companion to my works.
What new projects or new horizons are you setting your sights on for your work?
The horizons are actually multiple, there are many stimuli. For some years I have been developing three-dimensional, plastic visions of my work or part of it. I’m now beginning to give shape to something more material, physical, that relates to my painting. It’s still early to give a precise definition of what I feel and see. I perceive things and I need to find the appropriate form to put them into practice. In 2026, I’ll have some important opportunities to express myself at my best. We’ll see if I can integrate everything harmoniously.