La fotografía urbana, desde los tiempos de Atget y su empeño por documentar el París que desaparecía bajo la piqueta de Haussmann, ha oscilado entre dos polos: el deseo de testimoniar la realidad objetiva de la ciudad y la voluntad de capturar su pulso más esquivo, su movimiento perpetuo, su pulso. La tradición moderna, desde los experimentalismos de la vanguardia hasta el instante decisivo de Cartier-Bresson, trató de congelar el tiempo para revelar su estructura, pero siempre se topó con una limitación: la fotografía, en su concepción más extendida, es el arte de un único instante. Sin embargo, fue en los márgenes de esta práctica donde algunos artistas empezaron a desmontar tal presunción. La obra de Riccardo Magherini sigue esa estela crítica, con el medio fotográfico convertido en una máquina de reconstrucción de la memoria y la percepción. Y es que, lejos de una simple superposición de imágenes, nos propone el acto de fotografiar como un proceso de edificación lenta, comparable a la manera en que el cerebro humano ensambla los fragmentos de una experiencia para constituir un recuerdo.

El tema central de su obra, que abarca más de quince años y seis series urbanas fundamentales —Tokio, Florencia, Circus, Hong Kong, Bangkok y Hanói—, es una interrogación sostenida sobre la naturaleza del tiempo, las instituciones que lo organizan y cómo estas nos condicionan. Magherini pone en cuestión la concepción lineal del tiempo como un flujo homogéneo y mensurable, para sustituirla por una noción estratificada y subjetiva, donde pasado y presente coexisten en una misma superficie visual: la memoria de dicha especie. Sus imágenes, construidas a partir de múltiples tomas del mismo lugar superpuestas, en vez de congelar un instante, simulan la dinámica de su montaje como recuerdo complejo. Al desmantelar la linealidad temporal, el artista socava la base de las instituciones que se sustentan en ella, como la planificación urbana, la historia oficial o el archivo documental, a la vez que reconoce la necesidad de lapsos para la configuración de la experiencia. La ciudad, en su obra, deja de ser un escenario para la acción y se convierte en un palimpsesto, un campo fértil en sí mismo, con todo su ruido y sus silencios.

Así, llegamos al asunto de la vida en la metrópoli contemporánea, con su vorágine de estímulos y su negación de la pausa y la reflexión. Magherini reconstruye la multitud como una presencia particular compuesta de distintas capas. Los individuos emergen de ella y se disuelven de vuelta en el flujo colectivo. Su método, nacido del extrañamiento que sintió en Tokio, es claramente una respuesta directa a la saturación perceptual de la ciudad moderna. Al superponer diferentes momentos de una misma escena, no solo ralentiza la mirada, sino que crea una imagen que es, en sí misma, una experiencia de la densidad y complejidad urbana, al margen de los cronómetros. En este sentido, su obra interroga la soledad y la alienación propias del individuo en la gran urbe, pero sin caer en el patetismo: el individuo no es una víctima, sino una figura que se negocia constantemente con la masa, que se define en su relación con el entorno. La identidad, lejos de ser un asunto de política identitaria o ideología, se presenta como una construcción racional que requiere del sujeto un ejercicio permanente de reflexión y posicionamiento frente al flujo de la ciudad, un proceso que las imágenes de Magherini hacen visible al mostrarnos a personas que son definidas por las geometrías que las rodean o por la mirada intensa que devuelven al objetivo.

La artificialidad de la memoria y su extravío constituyen otro eje fundamental de su propuesta. Su conciencia de que la memoria no es un depósito fiel del pasado, sino una construcción activa, sujeta a la perspectiva, la emoción y el deseo, permea cada rincón de las imágenes. Sus fotografías son, en este sentido, artefactos de una memoria artificial, una que se sabe construida y que, por ello mismo, puede ser cuestionada y reelaborada, apelando incluso a la Historia, con mayúscula, en referencias de toda clase. Como en todo trabajo complejo, se debe prestar especial atención a los detalles.

El método del artista dota a sus fotografías de una calidad pictórica y una profundidad que burlan con facilidad la percepción convencional. Lejos de la inmediatez del documento, sus obras exigen una contemplación prolongada, una inmersión en sus capas para desentrañar las historias que se superponen. Su evolución técnica es también una evolución conceptual: comenzando con la perspectiva fija que ancla sus primeras series en la arquitectura renacentista de Florencia, pasando por la libertad compositiva que le permite la serie Circus, donde abandona ese punto de vista para tratar el fondo como un lienzo y reconstruir la realidad con elementos de diferentes momentos. Finalmente, su trabajo en Bangkok y Hanói lo lleva a un acercamiento al retrato y a una paleta más contenida y atmosférica, demostrando que no apela a una fórmula, sino que se sirve de un instrumento flexible que se adapta al carácter, al tono de cada ciudad. El artista alcanza de este modo su madurez.

La paleta de colores es igualmente decisiva: la serie de Hanói se inspira en la tierra que envuelve la ciudad, mientras que Bangkok se nutre de sus colores vibrantes. En todo caso, la técnica se revela como una forma de conocimiento y de traducción de una experiencia multisensorial. El resultado impacta. Conlleva el olvido de la marcha de las horas.

[Todas las imágenes, del sitio web del artista: Riccardo Magherini Fine Art Photography]