(VERSION —ORIGINALE— EN FRANÇAIS)

 La complexité comme évidence: Conversation avec Benjamin Carbonne sur son œuvre

Traduction par Rebeca Sanz

Dans l’art, la représentation du corps humain est souvent devenue un champ d’expérimentation formelle ou un véhicule pour des discours identitaires préfabriqués. Pourtant, sa puissance originelle réside ailleurs: dans la capacité de l’anatomie à incarner, par son expressivité et sa déformation même, les conflits profonds de notre époque. L’œuvre de Benjamin Carbonne s’inscrit dans cette tradition critique en se nourrissant sans complexe de l’histoire de la peinture —du geste expressionniste à la densité de la matière— pour éclairer une vision propre, brutale.

Carbonne remet en question, avant tout, la notion de liberté comme un simple exercice de facultés données. Sur ses toiles, la liberté est une force qui doit activement s’imposer contre les forces limitantes du sujet, configurant une réalité nouvelle qui nie tout idéalisme préalable. Cette lutte est douloureuse: ses visages et ses corps, souvent tourmentés ou déformés par la douleur, sont le témoignage du désenchantement et de la souffrance inhérents à tout acte d’auto-constitution. L’identité qui émerge n’est pas celle des discours sociaux, mais une identité ancrée dans l’évidence de la chair, dans la force qui la traverse, tant au niveau individuel que collectif.

Nous nous sommes entretenus avec lui à ce sujet…

Pourquoi la peinture pour le traitement de tes visions, de tes corps?

Alors ce ne sont pas pour moi des visions comme tu peux me le demander. La peinture est chez moi une discipline que j’ai commencée il y a plus de trente ans. En continuant sa pratique les évènements de la vie m’ont amené vers le corps humain et son anatomie. J’ai laissé entrer ce sujet dans mon quotidien qui par sa complexité, m’a plu d’entrée.  Apprendre un sujet et le retranscrire par un medium est l’occasion de jeter un œil sur ce qu’on ignore.

Les corps, la chair et l’obscurité posent ici un jeu complexe, en plus –si je puis me permettre la redondance– sombre… D’où provient cette vision? Vers quoi cela nous renvoie-t-il?

La complexité doit pour ma part, être une évidence quand il s’agit de création. La création est un acte qui contient notre condition humaine, un ensemble de faits extérieurs, et une prise en compte évidente de notre réalité, qui est elle-même complexe et en mouvement permanent – si l’on s’y intéresse bien sûr. Autant l’apprentissage est permanent et peut par choix être linéaire, autant la création, elle, nécessite une intervention personnelle intime et dense à chaque instant.

En réduisant ma peinture au seul noir et blanc et mon sujet à l’anatomie, «ce jeu» me permet de m’éloigner des choix techniques et autres décisions des sujets. Ce que voit le spectateur lui appartient et lui appartient uniquement.

La forme de ce que je présente, doit être un état des lieux de ce que je peux dire et jamais de ce que je peux peindre. Je n’ai aucune vision au sens programmatique du terme, je travaille depuis un état pas depuis une intention figée.

Dans ton œuvre, il est clair qu’il convient de parler d’images à propos du corps, mais pourrait-on aussi dire, d’images dans le corps ou, même, depuis le corps?

Pour les images —si images il s’agit— oui.

Leurs provenances sont le dehors, le dedans, l’absence et toutes sortes de définitions qui relatent, d’une façon ou d’une autre, l’existence du corps.

La surface du corps, les sentiments du corps, les mensonges du corps et tout autre traduction qui atteint l’acte de déposer la peinture : Voir un tableau sans voir le corps présent, mais sentir qu’il s’agit du corps!

Dans quelle mesure votre travail artistique représente-t-il bien plus une invitation qu’une provocation, et dans quelle mesure considérez-vous que son obscurité séduit pour ouvrir la voie à des questions plus importantes?

Une invitation à quoi? Une provocation à quoi!

L’invitation est davantage une proposition qu’une provocation inutile et vaine.

Je ne peins pas pour provoquer mais pour inviter le spectateur à se rencontrer là où peut-être il n’est pas encore allé.

Quant à l’obscurité elle n’est en aucun cas le discours de la peinture que je propose. Je vais là où le geste ne nous est pas familier,

là où ce qui brille n’est qu’une surface d’apparence,

là où la lumière est une réponse,

là où ce qui nous «semble être» n’est qu’un trompe l’œil.

Ce n’est pas à l’œuvre de séduire!

C’est au spectateur de se laisse atteindre par ce qu’il ressent, et faire un état des lieux de son existence. Ne nous trompons pas de cible!

Les tissus se manifestent à travers des jeux de lumière, du clair-obscur et un contraste mystérieux… Comment perçois-tu toi-même la relation entre la lumière et les corps que tu exposes, que tu présentes de manière si personnelle?

C’est une relation qui surgit d’elle même sans que la mise en forme ainsi que la lumière qui conditionne le corps soit une préméditation.

Car il s’agit bel et bien dans ces représentations de conditions que s’impose l’individu ce qui signifie que dans chacune des peintures existe l’instant précis durant laquelle elles ont été créés. C’est donc bien une création et non pas une anticipation qui s’opère. La relation entre lumière et corps est donc indissociable à la vie que l’on se donne.

Considères-tu que ton œuvre dialogue avec celle d’autres artistes antérieurs (peut-être des influences) et contemporains?

Elle dialogue forcément avec mes contemporains et l’histoire de nos sociétés.

Je suis issue du passé, imprégné de ce qui m’a précédé, mais aussi du présent qui s’opère devant mes yeux et ailleurs. Je respire ce qui vient d’ailleurs sans le voir, donc il est indéniable, que l’expression qui se dépose sur la toile, reste une action qui tend à traduire mon existence: Le dialogue a lieu à l’instant où l’homme s’implique.

Que prévois-tu maintenant pour la suite de ta carrière?

La suite est en train de se faire à l’instant même où je vous écris. C’est dans le moment présent que tout s’opère et se décide. Le reste viendra sans m’y projeter, et ma vie de peintre suivra les choix qui s’écriront au fil du chemin.