El collage, desde sus orígenes en las vanguardias del siglo XX con figuras como Hannah Höch o John Heartfield, se ha prestado de lo mejor a la exploración de la naturaleza fragmentaria de la experiencia moderna. Al reciclar imágenes preexistentes, descontextualizarlas y recombinarlas, el collage permite plantear nuevas articulaciones de ideas, a menudo desafiantes de las convencionales. Cuando este procedimiento se aplica a la figura humana, el resultado es una curiosa metáfora de la identidad contemporánea: una construcción maleable, compuesta de piezas heterogéneas, gestos e incluso roles superpuestos.

Joseph Staples lleva el proceso un paso más allá, se aleja de la mera dislocación, a menudo calificada de surrealista, para adentrarse en un territorio donde la identidad se define por la energía cinética, el ritmo y, cabe decirlo así: la performance del ser en el mundo.

La temática central del trabajo de Staples es una profunda indagación sobre la plasticidad de la personalidad. Su serie más emblemática, que presenta figuras humanas compuestas por fragmentos de extremidades en movimiento, pone en entredicho conceptos arraigados como la identidad unitaria y fija. En su obra, el yo no es un núcleo sólido, sino un conjunto de actos, poses y movimientos ensamblados. La danza se erige como un leitmotiv fundamental, una metáfora de la participación de uno en la dinámica del universo, del tiempo en sí. Sus personajes están perpetuamente en un plié, en un jeté, capturados en el instante precario entre un paso y el siguiente, haciendo arcos con el cuerpo, jugando con el aparente vacío alrededor, componente mismo de cada escena. La sugerencia de la personalidad como una coreografía social, una sucesión de actos performativos que, al repetirse, crean la ilusión de un carácter coherente, se eleva así, potente. Al descomponer el cuerpo en sus líneas de fuerza y dirección, Staples nos muestra que somos, ante todo, el rastro de nuestros movimientos, la estela de nuestros gestos.

Pero esta fragmentación se rige, además, por una geometría subyacente que otorga un sentido de orden y estructura. Las líneas rectas, las cuadrículas sutiles y la disposición metódica de los recortes actúan como una contrapartida racional al flujo aparentemente desordenado de la identidad. La geometría en Staples representa el andamiaje mental con el que tratamos de comprender y dar sentido a nuestra propia realidad fluida y multifacética. Es el esfuerzo humano por imponer lógica a la experiencia caótica, por encontrar ángulos y vectores en la maraña de la subjetividad. Esta tensión entre el caos expresivo del movimiento y el orden racional de la composición es uno de los ejes dinamizadores de su obra.

El uso del color y la forma trasciende la búsqueda de una armonía puramente estética para convertirse en una propuesta conceptual con un fuerte arraigo racional. Staples emplea una paleta limitada, a menudo dominada por tonos neutros, sepia y negros, interrumpidos por explosiones controladas de color, así como algunos fondos intensos. Economía cromática que dirige la atención del espectador hacia la textura, la línea y, sobre todo, la narrativa del ensamblaje. Las formas se yuxtaponen para crear un nuevo código visual. Un brazo puede estar compuesto por tres fragmentos de diferente escala y tono, no para ser fiel a la anatomía, sino para representar las diferentes capas o momentos que constituyen un solo gesto. Es una simbolización que apela a una interpretación subjetiva, pero que se sustenta en una lógica interna rigurosa: la lógica de la memoria, la percepción y la construcción identitaria.

Técnicamente, Staples es un artesano meticuloso. Su proceso, visible en estudios de su trabajo, revela una enorme precisión en el recorte y una sensibilidad notabilísima para la composición. Cada fragmento es seleccionado por su cualidad táctil, su carga histórica (muchas imágenes provienen de archivos y manuales antiguos) y su potencial energético. La superposición de capas es fundamental; crea una profundidad física y temporal, sugiriendo que la personalidad es una acumulación en palimpsesto: efectivamente, experiencia. La textura del papel envejecido, las marcas de impresión y las costuras visibles entre los recortes casi se celebran como parte integral de la obra, huellas, más precisamente, cicatrices del proceso de construcción, los recordatorios de que la identidad se construye con material de desecho, con retazos de cultura y fragmentos de historia.

La visión de Staples es, en última instancia, una propuesta obviamente humanista en la era digital. Sus figuras, aunque despiezadas, están llenas de gracia, movimiento y una elegancia melancólica. No, criaturas rotas, sino seres recombinados, con una nueva y vibrante forma, en la intersección entre el orden geométrico y el caos de la vida. Para cuestionar…

[Todas las imágenes, del sitio web del artista: Joseph Staples]